Med sin dynamiska visning av kläder, fotografier och akvarellskisser levde utställningen Stephen Burrows: When Fashion Danced på Museum of the City of New York 2013 upp till sitt namn och typiserade ett utmärkt exempel på mode som performance. Kinetiskt poserade skyltdockor, klädda i Burrows omisskännliga stil - en iögonfallande palett, färgblockerade mönster och fladdrande salladskantade fållar - framkallade de energiska dansrörelserna från 1970-talets klubbscen. Effekten var lika mycket prestanda som installationen, och vid den stjärnbelagda öppningen uttryckte den ikoniska modellen Iman sin rena glädje över att Burrows prestationer inom mode firades i ett museum.
Kläder, som en gång betraktades som kulturella artefakter eller exempel på hantverk, flyttade till centrum i museutställningar när Diana Vreeland lanserade trenden. 1972 tog den tidigare redaktören av tidningarna Vogue och Harper's Bazaar tyglarna från Metropolitan Museum of Art (Met's) Costume Institute i New York City. Hennes spektakulära utställningar - utformade med all känsla för en glansig fotografisk fotografering - gjorde en tillhörande samling till en högt profilerad attraktion, som lockade enastående folkmassor samt donationer av modern och samtida couture från generösa beskyddare, erbjudanden som förvandlade de historiska innehaven. Under Vreelands förvaltning uppmuntrade det populära tilltalet av mode det fustiga begreppet historisk dräkt.
Under det senaste decenniet har sådana utställningar som Met's "Dangerous Liaisons" (2004), en installation av extravaganta 1700-talsplagg i de franska periodrummen, höjt statusen och klädprofilen i museets samlingar. Dessutom slog moderetrospektivet "Alexander McQueen: Savage Beauty" 2011 mötesrekord för en modeutställning på Costume Institute och omdefinierade mode när det gäller konst. Ett oöverträffat antal utställningar 2013 inkluderade kläder - både historiska och fashionabla - som en del av nyckelkonceptet. Met var ett av tre museer för att montera "impressionism, mode och modernitet", som presenterade autentiska plagg installerade vid sidan av målningar för att fira rollen som mode i Frankrike under slutet av 1800-talet, och Met arrangerade "Punk: Chaos to Couture,”En utforskning av punk som ett kulturellt fenomen som suddade gränsen mellan konst, gatuliv, livsstil och mode. En annan show var ”Utseende kan bedra: Frida Kahlo klänningar”, på Casa Azul (tidigare målarens hem i Mexico City), där hennes oortodoxa garderob presenterades som en del av hennes konstnärliga praktik.
En motsvarande omfamning av mode sågs i samtida konst. Den belgiska konstnären Isabelle de Borchgrave hämtade inspiration från porträtt av renässansmästare som Botticelli och Bronzino samt klassiska couturedesigner av Mariano Fortuny och Christian Dior för hennes fantastiska fullskaliga plaggskulpturer; varje funktion - dekorativ eller strukturell - gjordes noggrant i papper. Chicagoan Nick Caves helkroppssoundsuits sammanfogade maskerad med bärbar skulptur. Favoritmediet för den brittisk-nigerianska konstnären Yinka Shonibare var det dubbelsidiga batiktyget tillverkat av det holländska företaget Vlisco, från vilket han tillverkade historiskt inspirerade plagg. Vlisco-tyg skapades först 1846 som ett tillverkat alternativ till den arbetsintensiva tekniken för indonesiskt vaxbatik. Det marknadsfördes sedan i västra och centrala Afrika,där det blev populärt bland den lokala eliten. Shonibare beskriver tyget som "korsat" och komplexiteten i dess ursprung lägger till symbolisk vikt och skönhet i hans provocerande tablåer.
Bland unga amerikanska artister gav mode mer än inspiration eller ikonografi; när det gäller identitet och estetik var det en integrerad del av deras konst. Att klä sådana mjuka skulpturer som This Yellow Shell (2013) och Soul Elswhere(2013) manipulerade Shinique Smith i Brooklyn T-shirts, jeans och sneakers. Den konstiga mutationen av välbekanta plagg höjde den kraftfulla livskraften i hennes kurvformar. Kehinde Wiley hämtade inspiration från kända europeiska målningar, men som framgår av de åtta porträtten i hans utställning "Memling" 2013 ersatte han Hans Memlings magnifikt klädda heliga och flamländska borgare med unga afroamerikanska män klädda i den aggressiva urbana stilen av hiphop och New York gatukultur. Delano Brown hade så fullt införlivat mode i sin konst att han målade blommönster på klänningar som användes av levande modeller under sin utställning på Smart Clothes Gallery på Manhattans Lower East Side. Brown sa att hans metod - dels prestanda och delsproduktion - gjorde konst tillgänglig och noterade att till skillnad från en "$ 50.000 duk,”Ett klädesplagg” är något som alla förstår. ”
I kritikern Holland Coters granskning av ”White Petals Surround Your Yellow Heart” - en grupputställning 2013 (hölls vid Institute of Contemporary Art i Philadelphia) som utforskade förutsättningen att ”du bär vad du är” - hyllade han det faktum att ” mode-som-konst-sak ”hade blivit” rörigt och förvirrande. ” Eftersom gränserna som en gång delade mode och konst hade blivit helt genomträngliga blev modedesigners alltmer relevanta som närvaro i konstvärlden. Till exempel monterade modedesignern Karl Lagerfeld, som hade fått ett rykte som en skicklig fotograf, 2013 en utställning med "Fire Etchings", bakgrundsbelysta bilder i väggstorlek eldetsade på glas, i Galerie Gmurzynska i St. Moritz, Switz . Även 2013 fick tillbehörsdesigner Reed Krakoff utmärkelsen Whitney Museum of American Art. För att markera evenemanget anlitade han flera artister,särskilt skulptören och tryckmakaren Kiki Smith och fotografen Nan Goldin, för att hjälpa honom att skapa skräddarsydda versioner av hans populära Reed Krakoff Track tote-väska; totorna visades ut vid prisutdelningen och gjordes sedan tillgängliga för köp i presentbutiken.
Så sent som 2007 skapade Damien Hirsts design för Levi's och Takashi Murakami's för Louis Vuitton (uppvisad i en presentbutik införlivad i en retrospektiv av sitt arbete på Museum of Contemporary Art i Los Angeles) het kritisk debatt om förhållandet mellan konst och konsumism . År 2013 var sådana konstnärsdesignade produkter emellertid inte bara önskade av konsumenter utan också granskades av kritiker. Dessutom efterfrågades konstnärerna uppdraget för produkterna - och publiciteten som de genererade - ivrigt. Gatukonstnärerna Retna, Aiko och tvillingbrorsteamet Os Gemeos skapade grova graffitimotiv för Louis Vuittons lyxiga sidendukar och stolar. Vuittons herrklädeslinje för höst och vinter presenterade en ensemble från topp till tå skapad av Chapman Brothers (Jake och Dinos).Deras "Garden in Hell" -motiv innehöll ett tyg mönstrat med tvinnade grenar, blommor och stiliserade djur på en blodröd bakgrund inspirerad av Vreelands Manhattan-lägenhet. Modehuset Alexander McQueen knackade på Hirst för att skapa en ny upplaga av den sena designerns skallehalsduk för att fira 10-årsjubileet för introduktionen av McQueens halsdukslinje; Hirst skapade de förvirrande buggarna, fjärilarna och spindlarna från sin egen Entomology-serie från 2009 som krypande kläder på McQueens signaturskallar.Hirst skapade de förvirrande buggarna, fjärilarna och spindlarna från sin egen Entomology-serie från 2009 som krypande kläder på McQueens signaturskallar.Hirst skapade om de förvirrande buggarna, fjärilarna och spindlarna från sin egen Entomology-serie från 2009 som krypande tillbehör på McQueens signaturskallar.
Designers hade länge vänt sig till konsten för inspiration, framför allt i Yves Saint Laurents färgblock Mondrian-klänning (1965) och hans popkonstlinje (1966), som innehöll grafiska applikationer av hjärtan och ansikten. McQueen transporterade studion till banan under vårens sommarshow 1999 när han trollade fram två färgsprutrobotar för att förvandla nr 13, en axellös muslensklänning som bärs av modellen Shalom Harlow när hon roterade på en skivspelare till en svart och gul abstrakt målning. Under höstens 2013-kollektioner hyllade flera designers den konsthistoriska lexikonet: Maria Grazia Chiuri och Pier Paolo Piccioli reviderade silhuetter och lyxtyger av flamländska porträtt till färdiga för Valentino. Bysantinsk konst anpassad från mosaikerna i staden Ravenna, Italien, prydde Dolce & Gabannas ensembler,som accessoriserades med små gyllene kronor. Designer Raf Simons tog konstnären Andy Warhol som sin muse för att utforma lekfulla grafiska motiv för Dior. Det var emellertid Viktor & Rolf som sömlöst slog samman design och prestanda. De återvände till sina rötter i couture för sin 20-årsjubileumsshow i Paris och skapade uppslukande plagg i överdådig matt svart ull. Varje modell gick långsamt in på landningsbanan, stannade och sänkte sig ner på golvet i en ställning som förvandlade hennes klädda kropp till skulptur. De hisnande kollektiva tablåerna - som framkallar de enkla men ändå omrörande formerna av medvetet ordnade stenar i en Zen-meditationsträdgård - vilade den gnagande frågan om gränserna mellan konst och mode. Genom att avvisa skillnaden mellan konceptuell konst och modedesign omdefinierade Viktor & Rolf mode som performance.
